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Historia del Cine – Inicios hasta años 40

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Los inicios del cine (1895-1927).

La historia del cine se incia el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos eLouis y Auguste Lumièr realizaron la primera proyección pública de imágenes en movimiento.

El cinematógrafo fue el invento de los Lumière.Este invento fue atrayendo un número de espectadores cada vez mayor. En sus primeras películas se combinaban 2 tendencias: el cine documental y el cine de ficción.

Por un lado, exhibían escenas de la vida cotidiana filmadas en exteriores y por otro, representaciones escenificadas grabadas en interiores. Un ejemplo de estas: “Salida de la fábrica” (1895).

Se distribuyó por todo el mundo, por lo que una gran mayoría de personas había visto tales imágenes en movimiento. Se consideraba como un espectáculo de feria, pero poco después, se reinvindicó como un Arte. A partir de 1910 comienza a producirse en Europa películas de mayor duración y calidad, mientras que, en Estados Unidos empiezan a fundarse los primeros estudios cinematográficos.

Comenzó a surjir problemas, tales como, el forzado conflicto legal, que causó que Estados unidos eliminara la marca Lumière del cinematógrafo. Esto marcó la desligazón del cine europeo y anglosajón. Sin embargo, el cine americano, pese a su producción autóctona continuaba importando filmes franceses, el cual cambia a partir de la Primera Guerra Mundial, en el que la mayor producción de cine pasaría a manos anglosajones.

 Consolidación del sonido.

Intentaron acoplar al cinematógrafo, el fonógrafo de Edison y gramófono de Emil Berliner, el primero en intentarlo fue Auguste Baron y de allí, otros.

La Warner Bros. fue la primera empresa, que se atrevió a añadir a sus películas el sonido. Uno de estas películas es “El cantor de Jazz” (1927) dirigida por Alan Crosland.

El cantor de Jazz (vídeo):

Hubo una polémica entre la Warner Bors. con su sistema Vitaphone, la Fox con su sistema Movietone y la RCA, con su sistema Photophone. Esta polémica obligó a utilizar un sistema estándar para evitar el caos industrial.

Se proyectaron muchas películas mudas sonoras. A partir de allí, los estudios de Hollywood Produjeron diversas versiones en diferentes idiomas.

Dos de las películas que causaron problemas en diversos países fueron “El séptimo cielo” (1927) de Frank Borzage y “La muchacha de Londres” (1929) de Alfred Hitchcock.

Grandes estudios en EEUU.

En el cine estadounidense se han fundado importantes empresas, tales como, Universal Pictures, Fox Film Corporation, 20th Century Fox, United Artists, Warner Bros, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Columbia, Paramount, RKO, que acabaron fusionadas con otras empresas dedicadas a la exhibición y distribución. Por tanto, la década de los años 30 se definió como la “Edad de oro” de los grandes estudios cinematográficos de EEUU, el cual desarrollo diversos géneros en el mundo del cine.

La MGM se da a conocer gracias a los temas románticos dirigidos por Clarence Brown (Ana Karenina, 1935), también está las de Victor Fleming, en especial 2 películas que marcaron una época de esplendor: “Lo que el viento se llevó” (1939) y “El mago de Oz” (1939).

La Warner Bros. se centra en géneros como el cine negro y el cine de aventuras. Como cine negro destaca, Mervin LeRoy que dirijió (Hampa dorada, 1930) y como cine de aventuras, destaca Michael Curtiz (La carga de la brigada ligera, 1936). En el campo musical destacan las películas barrocas dirigidas y correografiadas por Busby Berkeley.

Paramount,destacan filmes históricos como la de “Cleopatra” (1934) de Cecil B. de Mille, “La viuda alegre” (1934) de Ernst Lubitsch. También destaca el cine de gansters y de terror. En cuanto a lo musical, los actores cantaban diversas canciones (Mae West, etc.)

La Universal se especializó en cine de terror, entre ellas, “Frankenstein” (1931) y “El hombre invisible” (1933) de James Whale, que marcaron al cine posterior. También, cabe destacar a Tod Browning (Drácula, 1931).

La RKO produjo los musicales de la pareja de baile más famosa del cine: Fred Astaire y Ginder Rogers (Sombrero de copa, 1935).

La columbia se centró en producciones familiares destacando las comedias de Frank Capra (Sucedió una noche, 1934).

Cine de los años 30 y 40 en Europa.

Después de que el sonido se expandiera por todo el mundo, el público se fue interesando, pero debido a los problemas sociales afectó al modo de hacer y más a los temas.

El cine francés se mueve en el realismo desde la tradición y los ambientes populares hasta el drama. Los directores franceses estaban delimitados de espacios debido a la guerra. Muchos se centraton en adaptaciones literarias, el llamado cine de qualité (El silencio es oro, 1947) de René Clair. Cabe destacar otros directores más jóvenes como Jacques Becker, Henry-George Clouzot y Robert Bresson.

El cine inglés destaca Alfred Hitchcock (Treinta y nueve escalones, 1935). En los años 30, destaca el documental, en el que un grupo de directores realizan un cine informativo. En los años 40, uno de los mejores actores británicos y el que hizo una mejor adaptación de la obra de William Shakespeare es David Lean. También destaca Carol Reed con “Larga es la noche” (1947). Los Estudios Ealing producen una comedia social con gran ironía (Ocho sentencias de muerte, 1949).

El cine alemán, en los años 30, Joseph von Sternberg (El ángel azul, 1930), que después se incorporó al cine estadounidense. George W. Pabst mostró su gran vena realista en “Westfront” (1930) y “Carbon” (1932). La política de los nazis se figura en “El flecha Quex” (1933) de Hans Steinhoff. Quieren superar viejos traumas y como resultado suerje el neorrealismo, que estuvo escasa de recursos.

El cine italiano destaca la comedia intrascendente (¡Qué sinvergüenzas son los hombres!, 1932). Sin embargo, en la postguerra comenzó a centrarse en temas extraídos de la vida cotidiana con gran realismo y con un tono visual próximo al documental.

El cine soviético alcanza uno de sus grandes momentos con “Iván el Terrible” (1945) de Sergei M. Eisenstein. Stalin dió un retroceso en la producción cinematográfica.

Bibliografia:

http://www.cultureduca.com/cine_hist_estudioseeuu01.php
http://www.cultureduca.com/cine_hist_euro30_01.php

http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque1/pag6.html

Trabajo Realizado por Angela Ragaza

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Neorrealismo

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El neorrealismo, es el movimiento que tiene lugar en el cine italiano tras la guerra, que establece nuevas relaciones entre el autor y el público mediante el uso de un lenguaje innovador y un cambio en su forma de producción. Se presenta, entonces, en dos dimensiones: una estética (su forma de captar la realidad), y otra ética, que considera esa realidad como una verdad con la que ha de comprometerse.

El neorrealismo anticipa lo que será el cine en los sesenta. La influencia del neorrealismo esta presente en el estilo de las películas de varios países (todo Latinoamérica, países del Este y nuevos cines europeos y de Japón). Un ejemplo de la influencia neorrealista en España durante los años 50 fue Surcos de Jose Antonio Nieves Conde.

Es indispensable nombrar a Cesare Zavattini, ya que fue el precursor de la teoría que define este movimiento, que consiste en filmar lo cotidiano yendo detrás de personajes escogidos entre la gente común. La cámara se pone al servicio de lo real y lo capta, convirtiendo los hechos normales del día a día en una historia.

Técnicas del neorrealismo:
– Blanco y negro
– Uso del documental para acercar a los espectadores a la experiencia subjetiva de los personajes.
– Actores no profesionales que ayudan a proyectar una realidad más creíble.
– Introducción de varias lentes que resaltan los diferentes niveles de la realidad
– Filmación en una sola localización
– Cambios repentinos de escena
– Uso de la cámara para adentrarnos en las vidas y pensamientos de los personajes
– Hipérbole para exagerar y sobreponer símbolos no relacionados
– Uso de elementos surrealistas con el fin de involucrar a la audiencia en la historia al ser los espectadores los que tienen que buscar el significado de tales elementos dentro de la trama.
– Sátira para criticar aspectos específicos de la realidad
– Uso de personajes, ambientes o situaciones anormales dentro de circunstancias convencionales.
– Desvalorización de la moral social para demostrar la decadencia del sistema  social en medio de la violencia y crisis económica.
– El enfoque o punto de vista de un personaje fuera de la realidad
– La proyección de la violencia como una autentica expresión y representación de los oprimidos
– Uso del lenguaje vulgar o de baja categoría para familiarizarnos con la atmósfera, la cultura y la identidad de cada personaje dentro de una comunidad especifica.
– La caracterización de la mujer como figura clave en la formación de la familia, la sociedad y la resistencia contra el poder opresivo
– El rol de los niños como figuras que simbolizan la inocencia y la esperanza de un mejor fututo dentro del sentimiento de desaliento de la sociedad.
– La aparición de elementos religiosos para mostrar la manera en que los personajes se aferra a la devoción de sus creencias para resignarse.
– Final abierto sin ninguna resolución demuestra un ciclo que nunca acaba en el que los personajes parecen no tener escapatoria.
Obras destacadas del neorrealismo

Roma, ciudad abierta

1945, dirigida por Roberto Rosellini, director de fotografía Ubaldo Arata. Marca el inicio del estilo Neorrealista en el cine.

Argumento: La película se sitúa en Roma, en los últimos años de la ocupación nazi del año 1944. La película se inspira en la historia verídica del sacerdote Luigi Morosini, torturado y asesinado por los nazis por ayudar a la resistencia.

Pelicula completa:

El ladrón de bicicletas

1948, dirigida por Vittorio de Sica, director de fotografía Carlo Montuori. Para la realización de este guión contó con la ayuda de Cesare Zavattini.

Argumento: El film está basado en la novela homónima de Luigi Bartolini de 1945, adaptada a la gran pantalla por Cesare Zavattini. El relato narra un accidente de la vida cotidiana de un trabajador.

Pelicula al completo :

A partir de la década de los 50 el movimiento empieza a disgregarse y los directores empiezan a hacer un cine más personal: Visconti, por ejemplo plasma en la gran pantalla obras literarias como: “Senso” 1954, basada en la novela de Camillo Boito y con la participación en el guión del mismísimo Tennessee Williams; o como “Noches blancas” (1957), novela de Fedor Dostoievski.

Algunos directores españoles también se sumaron a este movimiento, como es el ejemplo de Luis Buñuel con su película Los olvidados (1950) y Pedro Almodóvar ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984).

Los olvidados

1950, dirigida por Luis Buñuel, director de fotografía Gabriel Figueroa.

Argumento: retrata la vida de los jóvenes delincuentes en la ciudad de México y cómo están condenados a vivir en un ambiente de pobreza. Esta película a diferencia de otras anteriores, muestra la verdadera realidad de la pobreza y su efecto en los jóvenes.

¿Qué he hecho yo para merecer esto?
1984, dirigida por Pedro Almodóvar, director de fotografía Ángel Luis Fernández.

Argumento: es una comedia negra situada en los años 80 en Madrid. Trata sobre una familia disfuncional, con una madre adicta a las anfetaminas, un esposo violento que sueña con una ex novia alemana, un hijo homosexual y otro que vende drogas, y una abuela que esconde comida y hace que los otros se la compren. Esto lleva a la protagonista a al locura y termina por matar a su esposo.

Trabajo realizado por: Ainhoa y Jose

Bibliografía:

http://www.italica.rai.it
http://cinecam.wordpress.com/historia-del-cine

http://www.cinemaitaliano.info/
http://www.girodivite.it/antenati/cinema/cin3neor.htm
http://www.italiadonna.it

http://www.youtube.com
http://www.wikipedia.com

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