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Cinema Verité: Historia

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El Cinema Verité ( en francés ”cine verdad”) lo podemos situar junto con algunos de los movimientos que influyeron mas en la historia del cine contemporáneo, como la Nouvelle vague y el Free cinema británico. Simultáneamente surgen en América del Norte dos movimientos documentalistas de gran relevancia y planteamientos similares: Candid  Eye canadiense y Direct Cinema norteamericano.

El Cinema Verité era un estilo de hacer cine que apareció en Paris, a raíz del documental Primary de Richard Leacock, en 1960. Este documental rodado por encargo de la revista “Life”, trataba de los intentos de John F. Kennedy y Hubert Humphrey, de conseguir la nominación del Partido demócrata, para la campaña presidencial de 1960. En dicho documental, había escenas de gran vitalidad y aire nuevo, algo a lo que la gente no estaba acostumbrada, como una escena en la que Kennedy planteaba su estrategia en la habitación del hotel. Esto provocó que la película se viese como una gran innovación en el cine.
JFK Robert DrewPor lo tanto, podemos decir, que este movimiento cinematográfico, proviene del documental.

El cinema verité  se vio beneficiado con las mejoras tecnológicas de los años sesenta, ya que aparecieron nuevas cámaras más ligeras además de equipos de sonido sincronizado, es decir, que captaban el sonido de forma directa.

Mayormente este movimiento se baso en los principios de Vertov. Dziga Vertov era un cineasta soviético, de años anteriores a la aparición del cinema verité, que creía en la captación de la realidad y de la vida de manera espontanea y natural sin puestas en escena. Sitúa a la cámara como el objeto  que provoca la acción de los sujetos.

El objetivo principal de este movimiento cinematográfico era la captación de la realidad de una persona o de un momento determinado sin artificio alguno, para ello utilizaban cámaras discretas, esto facilitaba la utilización de las mismas a la hora de rodar y de olvidar la presencia de estas, para que los personajes fuesen ellos mismos.

Existe una gran diferencia entre la ficción de Hollywood y el cinema verité, que caracteriza perfectamente a este ultimo y es que mientras que la ficción de Hollywood lo que busca es crear una fantasía en la que el protagonista sea un personaje atractivo que llame la atención de millones de personas, el cinema verité, tiene el objetivo de mostrar la vida cotidiana de la gente y el ambiente que les rodea.

Generalmente, el propósito de cualquier director realista es mostrar la realidad, para que el espectador  tenga la suficiente información y pueda  elegir una vida mejor, siguiendo los consejos del director o por el contrario, corrigiendo los errores a los que el director se expone, en algunas ocasiones.
Respecto a la evolución posterior, el cine ha estado influido por esta tendencia en numerosos largometrajes, con la finalidad de incorporar toques realistas a las películas.

Algunos ejemplos en donde podemos observar esta tendencia son:

La Chaqueta Metálica de Stanley Kubrick de 1986

La lista de Schindler

Las comedias de Woody Allen

Cinema Verité: Peliculas

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Moi Un Noir (1958)

“Cada día, jóvenes similares a los personajes de este film llegan a las ciudades de África. Han abandonado la escuela y el entorno familiar para intentar entrar en el mundo moderno. No saben hacer nada y hacen de todo. Es una de las enfermedades de las nuevas ciudades africanas, la juventud sin empleo. Esta juventud, enclavada entre la tradición y el maquinismo, entre el Islam y el alcohol, no ha renunciado a sus creencias, pero es seducida por los ídolos modernos del boxeo y del cine. Durante 6 meses he seguido a un pequeño grupo de jóvenes emigrantes de Níger en Treichville, suburbio de Abidjan, capital de Costa de Marfil. Les propuse rodar un film donde interpretasen su propio papel, donde tuviesen el derecho de hacer y decir lo que quisiesen”. Jean Rouch.

Été del d’un de Chronique (Chronicle de un verano) (1961)


Es a película documental hecha durante el verano de 1960 por el sociólogo Edgar Morin y antropólogo y cineasta Jean Rouch, con la colaboración estética del cameraman del director Michel Brault. Un molde de individuos de la vida real después es introducido y conducido por los cineastas a discutir asuntos en los temas de la sociedad y de la felicidad francesas en la clase obrera.

No mires atrás (1967)


Publicado en DVD 40 años después de su estreno. Don´t look back descubre a un Bob Dylan de gira por Reino Unido en la cima de la popularidad y compartiendo escenario con otros músicos como Donovan o Joan Baez.
El filme se rodó en la primavera de 1965 durante una gira que Dylan realizó por Inglaterra, donde fue recibido como una celebridad.


Locuras de Titicut
(1967) (Titicut follies)

Controvertido y aclamado documental que narra la vida de los reclusos de una prisión psiquiátrica de Massachussets. El documental estuvo prohibido en algunos estados norteamericanos varios años debido a su crudo retrato de los abusos sufridos por los internos a mano de los guardas de seguridad y los médicos de la institución. El título viene de un concurso de talentos organizado por los propios internos

Woodstock (1970)

Documental estadounidense de 1970 que narra los hechos ocurridos en el Festival de Woodstock que tuvo lugar en agosto de 1969 en Bethel, Nueva York. La publicación Entertainment Weekly la considera punto de referencia de películas de conciertos, y la cataloga como una de las mejores películas de entretenimento mejor realizadas.1

À Hauteur d‘homme: (2003)

Se trata de un documental sobre un político canadiense. Bernad Landry.
Por meses, Landry fue filmado por todas partes hasta el día de la votación. El hecho de que un político aceptara ser filmado en tal aislamiento impresionó muchos y por lo tanto fue visto como hazaña histórica: pocas otras películas han tenido tal acceso a una figura política antes.

Cinema Verité: Directores

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Al ser un género tan ligado al cine documental,  se hace especialmente difícil encontrar directores de fotografía de las obras que lo componen.
Sin embargo  lo que si destaca en éste como en casi todos los demás géneros es la figura del director de cine.

 Jon Alpert
Jon Alpert (B. ca. 1949) es un Americano periodista y documental cineasta, conocido por su carrera cinematográfica dentro del mundo de cinema verité. Natural de Chester portuaria, Nueva York. Alpert ha viajado extensamente como periodista investigador, y ha hecho películas para NBC, PBS, y HBO. Sobre el curso de su carrera, ha ganado 15 Concesiones del premio Emmy y tres Concesiones de DuPont-Colombia. Ha viajado a Vietnam, Camboya, Irán, Nicaragua, Filipinas, Cuba, y Afganistán.

En 1972, Alpert y su esposa, Keiko Tsuno, fundaron Centro céntrico de la televisión de la comunidad, uno de los primeros medios de la comunidad del país se centra. Se ha entrevistado con Fidel Castro varias veces, y ha sido uno de los pocos periodistas occidentales en hacer una entrevista grabada con Saddam Hussein desde Guerra del Golfo persa.

Algunas de sus películas:
-1989 – Un año en una vida del crimen (Director/productor)
– 2002 – Papa (Director/productor)
– 2003 – Coca y el miembro del Congreso (Director)
– 2006 – Bagdad ER (Director/productor)

Barbara Kopple
Estados Unidos (30 Julio, 1946) Kopple ha ganado dos Oscar de la Academia. El primero en 1976 con “Harlan County,” un documental sobre una huelga de mineros de Kentucky y el segundo, en 1991 por “American Dream,” sobre la huelga de Hormel Foods en Austin, Minnesota entre 1985 y 1986. También ha dirigido varios capítulos de la serie de televisión “Homicide: Life on the Street” y “Oz.”

Alguna de sus obras:
– 1976 Harlan County USA
– 1991 American Dream
–  2006 Shut Up y Sing,
–  2006 My Generation
– 1998 Wild Man Blues

Frederick Wiseman

(1 de Enero de 1935, Boston, Massachusetts, U.S.A) es un director de cine documental. Nacido en el seno de una familia judía, llegó al cine documental después de finalizar su formación como abogado.
En 2006, se le otorgó el Premio George Polk Career concedido anualmente por la Universidad de Long Island para recompensar las contribuciones a la integridad periodística y los reportajes de investigación.

Aunque se le clasifica como director de cinema verité su opinión al respecto es la siguiente: “Lo que intento hacer es montar las películas de forma que tengan una estructura dramática, razón por la cual rechazo hasta cierto punto el término cine observacional o cinéma vérité porque , para mí, el cine observacional connota el hecho de moverse por ahí considerándolo todo igual de importante, y eso no es cierto. Por lo menos yo pienso que esto no es cierto y que el cinéma vérité es simplemente un término pomposo francés que según mi opinión no significa nada.”
Algunas de sus obras:
 1970 . Hospital
  1974 .  Primate
  1980. Seraphita’s Diary
  1989. Near Death
  2001 . Domestic Violence
  2005.  The Garden
  2009.  La danse

Béla Tarr
(21 de Julio de 1955 en Pécs, Hungría) es un renombrado director de cine, guionista y actor. Obtuvo el premio al mejor director en el festival de Cannes de 2005.1 La mayoría de sus primeros trabajos fueron documentales, especialmente sobre la vida de trabajadores y gente humilde o pobre de la Hungría urbana.

1990 – City Life
2004-
“Visions of Europe” (segment “Prologue”)

Técnicas de esta tendencia cinematográfica:

– Los actores no eran profesionales, especializados en películas como actualmente conocemos, era gente real que aparecía en escenas improvisadas.–  Se utilizaban cámaras de mano discretas, generalmente, gracias a la grabación del sonido sincronizado con la imagen, que permitía filmar lo que se estaba observando, sin necesidad de platós ni luces y de esta forma captar la vida cotidiana sin manipulaciones ni modificaciones.

La cámara rodaba lo observable, la realidad de forma natural, sin elementos subjetivos, provocaba la acción de los sujetos e interactuaba con ellos durante el rodaje.

Debido a su pequeño tamaño, permitía su utilización en sitios pequeños y cerrados, como automóviles, por ejemplo, en donde una cámara de largometraje, pesada y voluminosa, no hubiese sido posible utilizar.

– Otra característica destacable era la carencia de guion previo, ya que de esta forma se grababan las conversaciones de la gente real, sin ningún tipo de artificio.

– Las localizaciones, para los rodajes, eran casas reales y sus alrededores, con ausencia de decorados.

– Se hizo muy común la grabación de conversaciones o declaraciones hechas por gente real, seguidas de imágenes que ilustrasen esas grabaciones.

– Otra característica, que les permitía una mayor facilidad de rodaje, era la utilización de negativos de mayor sensibilidad, al igual que objetivos que permitían rodar con luz natural. También se puede destacar, de esta tendencia, la utilización del zoom, que disminuía el peso que tenia que transportar el cámara si utilizaba mas de un objetivo. De esta forma, el cámara podía elegir y montar en una sola toma continua y de esta forma, los acontecimientos se grababan en tiempo real, sin cortes.

Links de interés:

Historia:

Películas:

Moi Un Noir (1958)

Chronique d’un été, 1961 (Crónica de un verano)

Locuras de Titicut (1967)

Trabajo Realizado por Yolanda y Patricia

Bibliografía:
http://www.uhu.es
http://avaxhome.ws
http://www.multilingualarchive.com
http://www.elmundo.es
http://josecastanon.wordpress.com
,
http://www.filmaffinity.com
http://es.wikipedia.org
http://www.britannica.com
http://www.divxclasico.com
http://www.parlez-vous.com/misc/realism.htm
http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque2/pag5.html